Design

Magdalena Komorowska (Polska )

“Chciałabym przywrócić należną wagę zmysłowi dotyku i pobudzić swoimi projektami do interakcji. Moje dywany mają być zachęta do kontaktu i przeżywania emocji”- Magda Komorowska 

Do niedawna dywan w aranżacji wnętrz był niczym cichy bohater dalszego  planu. Często pomijany, mało eksponowany, wyparty przez wykładziny dywanowe rzadko mówił własnym głosem, choć jego historia sięga przełomu III i II tysiąclecia p.n.e.

Do VII wieku, najsłynniejsze z nich – dywany perskie wykonywane były z wełny i jedwabiu. Przeważały wśród nich surowe wzory geometryczne i symetrie oparte na planie koła (arabeski).

Magdalena Komorowska – polska projektantka w swoich kolekcjach przywołuje najszlachetniejsza, ręczną tradycję tkactwa z użyciem wełny. Do tej pory dostępne są 2 kolekcje wełnianych dywanów.

Pierwsza z nich o nazwie EMOCJE- to historia o zbliżaniu się do siebie. Do siebie samego, do siebie nawzajem. To opowieść o zaufaniu, akceptacji i miłości oraz o tym, że razem to taka intymność, w której po prostu można więcej.

Druga kolekcja WOLNOSC – to trio wełnianych dywanów, których wzory powstały pod wpływem fascynacji autorki Awangardą I połowy XX wieku. Rosyjski konstruktywizm, holenderski de Stijl oraz niemiecki Bauhaus – to one zapoczątkowały wolność w sztuce i projektowaniu użytkowym. Skierowały większą uwagę na potrzeby emocjonalne człowieka. Ta kolekcja jest o procesie twórczym. Inspiracji, odwadze, przełamywaniu schematów, wolności w twórczości, która może stać się równocześnie pewnym obciążeniem. 

Magdalena Komorowska należy do twórców o dużej wrażliwości, dlatego w pracach wyczuwamy duży ładunek emocjonalny.

Dywany dla Magdy to w sztuce aranżacji zdecydowanie aktorzy pierwszoplanowi…

Więcej informacji :

www.dywanowy.com 

Amadeusz Bożemski ( Polska)

„Chciałem połączyć duszę artysty (choć to miano zdecydowanie zostawiam takim postaciom jak Mies van der Rohe czy Le Corbusier) ze sposobem na życie i tak powstało Will Be Studio”

–  Amadeusz Bożemski 

Amadeusz Bożemski – założyciel krakowskiego Will Be Studio, na co dzień zajmuje się fotorealistyczną grafiką 3d. I nie byłoby w tym nic nadzwyczajnego, gdyby nie fakt, że Amadeusz traktuje swoje projekty jak artystyczne wyzwania, wkładając w nie duszę, wszystkie swoje wrodzone zdolności artystyczne oraz wiedzę zdobytą podczas studiów na wydziale architektury. Można śmiało powiedzieć, że ten młody autor tworzy w 3D nie tylko wnętrza, ale subtelne, piękne historie.

Wszystkie prace Amadeusza są nie tylko perfekcyjne pod względem technicznym, ale również kompozycyjnym. To oryginalnie zaprojektowane przestrzenie z odważnie zestawionymi kolorami i detalami. Często to koncepcje minimalistyczne z elementami  sztuki i abstrakcji.

To częste dążenie do artystycznego przedstawienia rzeczywistości jest konsekwencją zamiłowania Amadeusza do sztuki i projektowania. Sam doskonale rysuje, choc jak twierdzi, ma mało czasu na realizację tej pasji. Ten młody designer ma też już pierwsze osiągniecia związane z projektowaniem produktu. Jest autorem bardzo ciekawych, dekoracyjnych paneli ściennych ( produkt dla marki OVO.DESIGN) 

Amadeusz uwielbia ikony designu, za wkład jaki wniosły w nasze obecnie zaprojektowane życie.

Spytałam Amadeusza co lubi robić prywatnie. ” Nie zabrzmi to może oryginalnie, ale lubię robić wizualizacje i projektować wnętrza, czyli to, co robię na co dzień:)  A poza tym lubię komiksy i seriale science fiction, bo dzięki nim mogę się oderwać od rzeczywistości. I bujanie z głową w chmurach oczywiście uwielbiam…”.

Amadeusz to marzyciel, niepoprawny optymista, pracoholik, bardzo dojrzały i uroczo staroświecki jak na swój wiek. Mąż i wkrótce ojciec.

Agencja WILL BE STUDIO została doceniona przez wielu projektantów, architektów i inwestorów nie tylko w kraju, ale również za granicą.

więcej informacji :

https://www.facebook.com/willbestudio

Alejandro Estrada ( Kolumbia)

“I don’t decorate, I design”- Alejandro Estrada 

Krzesło Pipo zaprojektowane przez Alejandro Estradę i wyprodukowane przez Piegatto– renomowanego producenta mebli z Gwatemali, to w prostych słowach arcydzieło.

Zwykle kusi nas myśl, że tylko meble z litego drewna mogą zapewnić nam maksymalny komfort i w pełni zaspokoić pragnienie piękna. Często mówiąc o meblach wykonanych ze sklejki, uważamy, że mamy produkty niższej kategorii dedykowane tym, których nie stać na meble z litego drewna. Ale gdy te materiały spotykają się z projektantem i wyjątkowym producentem, są prawdziwymi arcydziełami, jak w przypadku krzesła akcentującego Pipo.

Pomysł projektanta polegał na stworzeniu obiektu z jednego materiału, który „otwiera się na zewnątrz i rozciąga w środku”. To skrupulatnie zakrzywione drewniane krzesło jest wykonane z 29 kawałków drewnianych pasm wyciętych z dwóch kawałków sklejki.

Krzesło Pipo to przyciągający wzrok element wystroju wnętrza. Powierzchnia krzesła została zaimpregnowana środkiem wodoodpornym, dlatego może być używane również na zewnątrz.

Pipo występuje w ośmiu wersjach kolorystycznych, wśród których najpopularniejsze są biel, czerń i czerwień. Wszystkie kolory mają matowe wykończenie poliuretanowe. Szczeliny między drewnem w konstrukcji ramion krzesła przepuszczają światło, dając poczucie ruchu i uwagi.

Alejandro Estrada od lat jet dyrektorem artystycznym  marki Piegatto

źródło: furniturefashion.com

Ángel Mombiedro ( Hiszpania )

“Chcę wiedzieć więcej o roli, jaką utwór nabierze w życiu kupującego, którego uważam za kolekcjonera. Lubię projektować, mam swój własny styl i jak ktoś do mnie przychodzi to dlatego, że ufa moim kryteriom”.

-Ángel Mombiedro 

Ángel Mombiedro – hiszpański architekt i projektant  kreśli trajektorię, która rozwija się poprzez eksplorację różnych dyscyplin i na różne skale; od projektu wystaw przez nowojorskie drapacze chmur po aranżację wnętrz i kreację wizerunku firmy.

Pod prostą i pozorną kompozycją płaskich kolorów i czystej geometrii, kolekcja Ángela Mombiedro skrywa plany, rzemiosło i nieustanne poszukiwanie użyteczności bez rezygnacji z ozdób.

Ángel Mombiedro mówi o swojej pierwszej kolekcji, że „składa się z niezależnych dzieł należących do tej samej rodziny. Wszystkie przedmioty mówią tym samym językiem i mają to samo pochodzenie, ale każdy ma swój własny charakter. W rzeczywistości w jadalni graniastosłupowa i prostokątna konstrukcja stołu współistnieje z krzywiznami i cylindrami krzeseł i, o dziwo, idealnie pasują”.

Bo takie są propozycje Ángela -elementarne cząstki systemu, który można zrozumieć, tylko obserwując jedną względem drugiej, kompozycje oparte na podstawowych kształtach, płaskich kolorach, czystej geometrii, symetrii, prostych liniach lub zakrzywionych płaszczyznach w poszukiwaniu delikatnej harmonii.

To wyważone przedmioty, które wydają się pochodzić z chodzenia po linie, autonomiczne elementy, wykonane z żelaza, aksamitu i marmuru.

armombiedro.com

(w artykule wykorzystano fragmenty wywiadu na www.revistaad.es )

Katarzyna Jasyk ( Polska )

Projektując minimalistyczną linię krzeseł i foteli na metalowych podstawach pomyślałam o wersji z podwójną funkcją. W nowym projekcie fotela Medallion zrezygnowałam z jednego miękkiego podłokietnika na rzecz małego metalowego stolika. Jest to wygodne rozwiązanie dla minimalistów. Przez ten detal nowa wersja-zaprojektowanego w 2019 fotela Medallion z podłokietnikami- zyskała dodatkową funkcję. Okrągły blat stolika o średnicy 25 cm, będący przedłużeniem ramienia wykonany jest z metalu i pomalowany na kolor czarny. Wersja krzesła  połączonego ze stolikiem jest wygodnym rozwiązaniem dla małych pomieszczeń np. wszelkiego rodzaju poczekalni, gabinetów lub czytelni, w których człowiek oprócz siedzenia może sobie dodatkowo umilić czas inną czynnością. Wygodny, podręczny stolik zintegrowany z fotelem daje dużo możliwości. Można na nim postawić filiżankę z kawą, rozłożyć laptop, zrobić notatki lub odłożyć na niego gazetę. Inne wykorzystanie to np. sale konferencyjne. Można powiedzieć, że ten model fotela stanowi designerską alternatywę dla tradycyjnych foteli konferencyjnych. Miękkie pluszowe obicia na siedzisku i oparciu, ergonomiczny kształt oraz wbudowany stolik zapewniają komfort, a stalowa konstrukcja jest gwarancja trwałości. Fotel może  występować w wielu wersjach kolorystycznych.

W tym projekcie odchodzę od klasycznej linii popularnego w XVIII wieku krzesła Medalion, który był dla mnie inspiracją. Moja wersja fotela ze stolikiem to odpowiedz na potrzeby naszych czasów,  w których dążymy do minimalizmu, ekonomii  w zagospodarowaniu przestrzeni oraz  równowagi formy i funkcji.

Model zaprojektowany dla marki Happy Barok  – www.happybarok.pl

Wizualizacja : Will Be Studio

Gareth Neal (Wielka Brytania) 

“Jestem kimś, kto stara się, aby drewno zrobiło to, co chcę. Korzystam z niektórych aspektów jego naturalnych, fizycznych właściwości. Niektóre osoby są zahipnotyzowane samym drewnem, podczas gdy ja chcę mieć nad nim kontrolę”.

Gareth Neal

Gareth Neal jest projektantem, który dzięki pomysłowości i ciekawości pomógł ukształtować nową erę we współczesnym brytyjskim rzemiośle. Projektant szanuje ludzi, proces i miejsce, współpracując na rzecz wykorzystania miejscowych materiałów i tradycyjnych procesów.

Studio Gareth produkuje różnorodne meble, w tym meble do siedzenia, szafki i rzeźby, wszystkie z naciskiem na zrównoważony rozwój i ochronę środowiska.

Najwyższej jakości kunszt i jakość wykonania stanowią rdzeń naszych wartości studyjnych, ale znaczenie rzemiosła dla nas zawsze wykraczało daleko poza wyuczone techniki. Jest to sposób podejścia do obiektu ze zrozumieniem szerszego wpływu, jaki wywołuje, przez to, gdzie coś się robi, jak i przez kogo- mówi projektant.

Zainicjowany przez American Hardwood Export Council i Benchmark Furniture, Gareth Neal pracował w ramach projektu The Wish List, który gromadzi listę architektów i projektantów w celu nawiązania wyjątkowej współpracy. Gareth został “połączony” z utalentowaną architekt Zahą Hadid, przy czym celem było stworzenie jakiejś formy zastawy stołowej wykonanej z drewna. Na początku Gareth wpadł na pomysł, aby rzucić wyzwanie ręcznie robionym wyrobom, produkując cyfrową imitację wytworzonego przedmiotu. Z myślą o architekturze Gareth zastosował zaawansowane oprogramowanie do modelowania komputerowego wraz z maszyną CNC do wycięcia naczyń ze stosu laminowanego litego dębu. Rezultatem jest tradycyjna forma, która została zmanipulowana do dramatycznych ekstremów dzięki metodzie rzeźbienia maszyny, wraz z unikalnym wydłużonym projektem.

www.garethneal.co.uk

Laura Itkonen ( Finlandia) 

“Źródłem mojej inspiracji jest bycie twórcą i projektantem. Jestem twórcą bardzo materialnym. Przeprowadzając liczne testy i eksperymenty, materiał prowadzi własną drogą do najbardziej intrygującego wyniku. Widzę, jak współpracuję z materiałem. To ciągły kompromis, szczególnie w przypadku gliny”.

-Laura Itkonen

Sculptural Series – to kolekcja małych naczyń zaprojektowana przez Laurę  dla Vuela. Każde naczynie z serii jest wykonane ręcznie, dzięki czemu każdy egzemplarz ma niepowtarzalny wygląd. Porcelanowe wzory mają pokrywki ozdobione kreatywnymi, przyciągającymi wzrok dodatkami rzeźbiarskimi.

Te piękne, misternie zdobione naczynia mają nie tylko walor dekoracyjny, mogą też służyć do przechowywania np. biżuterii.

Laura Itkonen tworzy i mieszka w Helsinkach w Finlandii. Zajmuje się szeroko pojętym projektowaniem i sztuką, a także różnymi aspektami projektowania przestrzennego i wizualnego.

“Moje prace koncentrują się na szczegółowej wizualnie, dotykowej ceramice architektonicznej oraz kolekcjonerskim, rzeźbiarskim designie. Dla mnie najciekawszym miejscem do pracy jest skrzyżowanie sztuki i designu” – mówi artystka.

Prace artystki były prezentowane na kilku międzynarodowych wystawach i targach, w tym w Mediolanie, Londynie, Paryżu i Pradze. 

Laura ukończyła Aalto University School of Art, od 2016 prowadzi własne studio.  

www.lauraitkonen.com

Peter Opsvik ( Norwegia) 

“Nasz najstarszy syn miał dwa lata i wyrósł z wysokiego krzesełka. Szukałem krzesła, które pozwoliło mu w naturalny sposób i na wygodnej wysokości siedzieć przy stole dla dorosłych, i odkryłem, że w pobliżu nie ma takich krzeseł. Moja pierwsza reakcja była taka, że ​​szkoda, ale jako projektant odkrycie to wiązało się również z wyzwaniem.”

-Peter Opsvik

Norweski projektant przemysłowy Peter Opsvik zakwestionował pogląd, że istnieje tylko jedna poprawna pozycja siedząca. W przeciwieństwie do innych projektantów uważał, że nasze ciało intuicyjnie poszukuje idealnej pozycji siedzącej – kolejna pozycja jest zawsze najlepsza – i ta swoboda ruchu określa jego projekty.

Variable ™ balance® to pierwsze krzesło, które skutecznie przeciwstawia się konwencjonalnym nawykom siedzenia, ustanawia nowe standardy w projektowaniu i funkcjonalności fotela( pojawiło się na rynku w 1979 roku).

Peter Opsvik był jednym z trzech projektantów (obok Oddvina Rykkena, prof. Sveina Gusruda), którzy opracowali krzesła oparte na pozycji klęczącej. Ikoniczny kształt krzeseł Balans (Variable, Gravity, Thatsit, Wing Balance) został uznany za jeden z 50 wzorów, które zmieniły świat.

Najbardziej znanym projektem Opsvika jest ikona skandynawskiego designu — krzesło Tripp Trapp. Pierwsze regulowane krzesło, które rośnie razem z dzieckiem od niemowlęcia do nastolatka, sprzedało się w siedmiu milionach egzemplarzy! Tripp Trapp produkowane przez firmę Stokke zrewolucjonizowało rynek krzesełek dla najmłodszych. Inteligentny design sprawił, że pokochało je wiele pokoleń, a kolejni projektanci traktowali je jako niedościgniony wzór. Późniejszy projekt dedykowany dzieciom — krzesło do karmienia Nomi — okazało się równie spektakularnym wynalazkiem. W 2014 roku zdobyło tytuł Grand Prix Red Dot.

Działalność Opsvika w obszarze designu koncentruje się na próbie przezwyciężenia stereotypowych nawyków związanych z siedzeniem, na rzecz niekonwencjonalnych rozwiązań. Podczas gdy w latach 70. eksperci od ergonomii próbowali zdefiniować i doprecyzować jedną właściwą pozycję siedzącą, Peter Opsvik tworzył rzeczy, które inspirowały do poszukiwania wielu wygodnych ułożeń ciała

Opsvik jest również znany jako saksofonista i klarnecista jazzowy. Jest członkiem Christiania Jazz Band od 1972 r. I Christiania 12 od 1973 r. W 1973 r. Opsvik otrzymał nagrodę Spellemann.W 1999 roku wydał album Woodwork (NorCD), na którym gra free jazz i muzykę współczesną. Syn Petera Opsvika, Eivind Opsvik, jest także muzykiem jazzowym.

Peter Opsvik współpracuje z siedmioma kolegami w swoim studio. Chociaż sam przedstawia większość podstawowych koncepcji, praca nad przełożeniem jego surowego pomysłu na gotowy produkt jest pracą zespołową.

Studio kładzie duży nacisk na projektowanie produktu jako środka do rozwiązywania rzeczywistych problemów. Główne kompetencje to projektowanie mebli, projektowanie wnętrz, ergonomia, rozwiązania proekologiczne, inżynieria i komunikacja. Studio działa zarówno niezależnie, jak i w ścisłej współpracy z największymi producentami, takimi jak Flokk i Stokke.

www.opsvik.no

Alessandra Baldereschi ( Włochy)

„Iskra i serce: włoska projektantka otwiera swój dom w Mediolanie, miejscu, w którym wszystko jest miękkie, słodkie i przyjazne, podobnie jak elementy, które tworzy i w których zakochuje się od pierwszego wejrzenia”

-Ana Rodriguez, Elle Decor Hiszpania 2015

Zieleń wzgórz, błękit nieba, zapach świeżo skoszonej trawy, horyzont, jak okiem sięgnąć… Krajobraz to rodzinne środowisko Alessandry, miejsce, w którym dorastała i czerpie inspirację.

Detale wybrane ze świata przyrody są traktowane z konkretną intencją ekstrapolacji ich esencji. Zakrzywione linie, wybrane materiały oraz połączenie elementów i kolorów mają na celu wywołać atmosferę, wrażenia, przebłyski krajobrazów osobistej i zbiorowej pamięci. W pracy Alessandry dusza natury objawia się w delikatności.

Świat baśni jest drogi Alessandrze. Nienasycona czytelniczka, od dziecka nadaje kształty słowom, wypełniając setki zeszytów ilustracjami.

Alessandra używa symbolicznego języka klasycznych bajek, z którymi wszyscy dorastaliśmy. Postacie, elementy i krajobrazy są pozbawione detali i przetłumaczone na jasne, miękkie i przyjazne kształty.

Jej obiekty są w stanie wywołać fantastyczną wizję cudownych i fantastycznych światów. Projekty Alessandry delikatnie szepczą do nas Pewnego razu …

Czas był częścią badań Alessandry od jej najwcześniejszych prac: śledzi go z pamięcią, próbuje go oswoić, bawi się nim, dopóki nie zostanie zawieszony.

Alessandra tworzy projekty, które rejestrują chwile, które już nie istnieją, ale jeszcze nie zniknęły. Chwile wracające do głowy, gdzie odzyskać emocje lub gest. Jej przedmioty – uciekając tu i teraz do chwili obecnej – żyją w rozszerzonym czasie, który pozwala nam wędrować między doświadczeniami a wizjami.

Przedmioty rodzinne i wyposażenie, które zamieszkiwały domy Alessandry i dotrzymywały jej towarzystwa w życiu codziennym, są niekończącym się źródłem wyobraźni.

Podążając za motywem przewodnim produkcji Alessandry, jesteśmy prowadzeni do obiektów, które często były przekazywane z pokolenia na pokolenie. Czyste linie i współczesne materiały współistnieją z odzyskiwaniem doświadczeń pełnych silnego poczucia intymności. Aura z przeszłości zamieszkuje te obiekty – zinterpretowane nowoczesnym kluczem – i zaskakuje nas jako déjà-vu.

www.alessandrabaldereschi.com